MUD & THATCH

ANDRÉS BURITICÁ

INAUGURACIÓN: 23/01/2020 – 20:00 h

ARTISTA: ANDRÉS BURITICÁ  @maese.nemo

DURACIÓN de la exposición: Del 23 de enero al 7 de febrero.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO

Andrés Buriticá presenta, por primera vez, su trabajo fotográfico MUD & THATCH en la Quinta del Sordo. El proyecto surge de una manera natural, a través de un viaje por Colombia y en concreto durante su estancia en su ciudad natal y El Caribe rural. Su intención y propósito del viaje fue, en un principio, retratar el lugar y sus gentes, además de hacer una comparativa del entorno con respecto a su estado actual y el recuerdo de Andrés desde la última vez que estuvo allí hace 10 años.

Me contaba mi abuela que abrieron un McDonald’s en Montería, mi pequeña ciudad, y que la cola para entrar era de cientos de personas. Entonces desvié mi viaje hacia uno de los pueblos de mis tíos en busca del Caribe que recuerdo: casas de adobe y paja de palmera, la gente vive de lo que da la tierra, los velorios duran siete días, la felicidad se encuentra “escudriñando los caminos de antaño, y caminando por ellos” me dice mi tío refiriéndose a la Biblia, cuando llueve se va la luz durante días, nos bañamos con agua de lluvia acumulada en pozos, el calor húmedo inunda los pulmones, los animales campan a sus anchas y los mosquitos pican a través de las hamacas.

En esta exposición se podrán ver 30 fotografías tomadas con una cámara de 35mm donde queda latente el sentimiento de nostalgía, sensibilidad y emoción por parte del autor con respecto a su hogar y familia.

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OTRAS IDENTIDADES: LO UNIVERSAL ES FEMENINO

NEKANE Y MARTA RONDÓN

INAUGURACIÓN: 13 de febrero a las 20h

DURACIÓN:  del 13 al 28 de febrero

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15/17, (Parque de la Cornisa) La Latina

OTRAS IDENTIDADES

TEXTO CURATORIAL

Tradicionalmente se han considerado como temas universales en la Historia del Arte todo lo que salía de los pinceles de los grandes genios de la pintura, incluido cuando lo que se representaba eran retratos de figuras femeninas. Ellas eran solamente las musas al servicio del genio del artista.
Las tornas cambiaban cuando la creadora era una mujer y realizaba obras donde las figuras centrales eran también mujeres, considerándose que retrataban tan solo el universo femenino, como una especie de tema menor que formaba parte de lo doméstico, de las menudencias que preocupaban a la mujer.
Que ellas fuesen más de la mitad de la población parecía no ser suficiente, ni ahora ni antes, para considerar que sus trabajos englobaban también lo universal. Ese hecho, el de que no estemos presentes en la conciencia histórica de nadie, ni siquiera de nosotras mismas, hace que dudemos de nuestras capacidades.
Esta exposición quiere alejarse de todos esos clichés y liberar sin miedo la creatividad de las creadoras Marta Rondón y Nekane Jiménez, que retratan su propio universo en las obras presentadas, reivindicándolo sin querer como lo universal.
Ese mundo propio que representan en sus trabajos que engloba lo que ocurre dentro de las fronteras de su intimidad, de su ropa interior, de su piel, de las identidades y orientaciones sexuales y de la normatividad de sus cuerpos, es un alegato a esa universalidad. Todo ello entronca con la famosa afirmación “lo personal es político”, donde la libertad de expresión, sexual, de culto o el derecho a la intimidad son derechos fundamentales que deben conquistarse.
Tanto Marta Rondón en su ruptura con las formas heteronormativas, como Nekane con su representación del sentir y la existencia femenina, muestran consciencia de la opresión que se ejerce en y a través de sus relaciones más íntimas, empezando por la más íntima de todas: la relación con el propio cuerpo.
Adentrarse en sus trabajos es un despertar crítico a la reflexión sobre si sus deseos, fantasías, temores e ideales estéticos sobre el propio cuerpo les pertenecen o son el producto de un sistema de relaciones entre los sexos que nos oprimen.
Al fin y al cabo, el producto de esta exposición es una pregunta que resuena desde dentro de cada una de las obras de ambas artistas de cómo puede conquistarse la verdadera libertad.

Marta Rondón utiliza en su obra el cuerpo como arma de lucha (el pincel por el pezón), donde las figuras intransitadas y molestas flotan en escenarios a veces oníricos, a veces costumbristas y en donde el aire casi puede verse y olerse. El espectador puede inhalar así su transgresión y el inconformismo con todo lo establecido.
El deseo rotundo de romper, repensar y cambiar la visión del género y rehacer el concepto de feminidad, le llevan a ahondar en la visibilidad de los colectivos queer, trans y LGTBI
Ese espacio no habitado del trabajo de Marta Rondón coincide con los huecos vacíos que dejan los recortes de papel en la obra de Nekane. Nekane deshace cuando corta y rehace cuando pega, como la quimera de la que tanto habla Marta Rondon en su obra: “El hacer de lo inclusivo y deshacer de los exclusivo”, que suele decir.
La obra de Nekane se muestra como contrapunto con un trazo más clásico, centrada en la creación de dibujos de papel con carácter ambiguo donde el género del personaje de la pieza es ya el tema central, dejando paso a el color, las líneas y la composición y la búsqueda de relaciones estéticas. Nos habla sobre todo del concepto de belleza que se sale de los sistemas establecidos desde el patriarcado y que expresa la identidad propia de la mujer.
La muestra no es un simple diálogo entre ambas artistas, sino que es el resultado de la búsqueda de la individualidad de cada una, con la importancia que supone el aire y la distancia que existe entre cada una, porque todas las formas de sentir son importantes y necesitan de su propia individualidad y ahí es donde reside la verdadera libertad creadora.

Angélica Millán

SOBRE LAS ARTISTAS

NEKANE

Nekane Jiménez Fernández nace en 1992 en Ablitas, Navarra. Estudia Bachillerato Artístico en la Escuela de Arte y Oficios de Corella y, al finalizar, va a vivir a Salamanca, donde en 2014 se gradúa en Bellas Artes, destacando y orientando su trabajo en la rama de pintura. Allí su obra es seleccionada en la convocatoria Premio San Marcos 2014, entre otros logros. Tras su etapa universitaria vive un año en Alemania, donde nace y se desarrolla su proyecto “La Libreta de Neka”, un cuaderno de apuntes y dibujos diarios que publica durante un año a través de redes sociales. Con este proyecto y otras creaciones participa en Open Mercado 2015, una iniciativa del Museo Würth La Rioja que apuesta por el encuentro de nuevas propuestas y la promoción de artistas, diseñadores, emprendedores etc. De nuevo cambia de ciudad en 2016, eligiendo esta vez como destino Barcelona. Allí realiza un Posgrado de Ilustración aplicada al Diseño.

Complementa su formación académica y artística realizando cursos online impartidos por galerías dentro del territorio nacional y mediante la participación en iniciativas como MID_Emprendedores (Programa de Itinerarios para el Emprendimiento Juvenil de la fundación INCYDE) en Barcelona. Durante el transcurso de este periodo es seleccionada con su libro de artista en la convocatoria Afán-Afán 2016 y también junto con Ana Manuela Bañares en Mujeres que miran a mujeres 2018. Durante este último
año a participado en varios eventos y mercados de arte como Utopía 2018, Gutter Fest 2019 y We Draw en Barcelona.
En OTRAS IDENTIDADES podremos ver una serie de dibujos de papel recotados y pegados a mano especialmente creados para la exposición.
La temática estará centrada en la creación de dibujos de papel con carácter ambiguo donde el genero del personaje de la pieza no sea tema central sino dejar paso a otras características como el color, las líneas y la composición, buscando relaciones estéticas y jugar como en toda mi obra con las posibilidades que me ofrece trabajar solamente con papel.

@nek.ane

MARTA RONDÓN

Marta Rondón, conocida artísticamente como AMARELMAR, tarifeña salerosa y  andaluza por derecho, cuenta que no recuerda un momento en su infancia donde no tuviera un pincel en la mano.
Estudió Bachillerato Artístico y posteriormente Bellas Artes en la URJC; afincada por ahora en Madrid pero pajarillo volador, se decantó gracias a su proyecto final de la carrera a utilizar el cuerpo como arma de lucha, el pincel por el pezón, las figuras intransitadas, molestas, la cultura queer y todas sus vertientes.
El deseo rotundo de romper, repensar y cambiar la visión del género, el hacer de lo inclusivo y deshacer de lo exclusivo, eliminar el rol del hombre macho y a su vez empoderar a la mujer son algunas de los vestigios que se pueden apreciar en sus obras.
Ahora mismo trabaja en generar de sus ilustraciones una realidad que se pueda tocar, mover con un curso de ilustración en 3D.
En su última exposición trabajó en el concepto de “dude art”, es decir, trabajaba el dibujo mediante esbozos inconscientes, destruyendo y construyendo formas abstractas en formas definidas.

@amarelmarr

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8760 HORAS y 1060 GRAMOS

IRENE GARCIA – NAGARE ART PROJECTS

INAUGURACIÓN: 21/11/2019 – 20:00 h

ARTISTA: IRENE GARCIA  @gamusire

DURACIÓN del evento: Del 21 de noviembre al 6 de diciembre.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

ORGANIZA: Nagare Art Project

BIOGRAFÍA

Irene García es, además de pintora e ilustradora, Directora de Arte en una de las grandes agencias de publicidad en Madrid. Se licenció en Publicidad y RRPP en la URJC y continuó su formación en artes plásticas en diferentes academIas, consiguiendo llegar a su lenguaje actual a camino entre la pintura tradicional sobre lienzo y la pintura digital.

Ha participado en exposiciones y eventos desde 2016: Monkey Garden, Amor de Madre, Mad Cool Gallery… recientemente fue seleccionada para la residencia artística Art House Holland.

STATEMENT

Mi trabajo habla sobre la realidad moderna y el mundo que me rodea: una realidad donde la gente se entremezcla con los edificios, convirtiéndose en uno.

Mi lenguaje se basa en las formas naturales y orgánicas de los retratos, en las múltiples luces y sombras que los habitan y su conjugación con las líneas limpias de las formas  arquitectónicas.

A través de mis obras, analizo las relaciones diarias que se establecen entre las personas y el entorno urbano. Una especie de collage visual donde exploro la vida moderna  es componiendo las formas de los paisajes que me rodean de manera que pueda jugar y luego recomponerlas crear una realidad que se ajusta a mí.

Mi trabajo es un juego en el que interactúo constantemente con la ciudad y las miles de caras que la habitan.

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UNION ARTIST

D. Largo – Maker – Imix – Gone – Tatu – Fonsmote

FECHA:  del 11 al 25 de octubre

INAUGURACIÓN: 11 de octubre a las 20h

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15/17, (Parque de la Cornisa) La Latina

INFORMACIÓN DE LOS ARTISTAS

D. LARGO

D.Largo (1994) artista Urbano y Onírico. Licenciado en Bellas Artes en Madrid donde actualmente reside. Sus orígenes fueron en la calle pintando graffiti y estudiando matemáticas.

Con el tiempo sus intereses en materia artística se ampliaron hasta llegar a utilizar el spray y el dibujo técnico para crear composiciones coloridas en perspectiva, buscando unir la geometría con lo orgánico y lo figurativo con lo abstracto siempre escuchando la voz de la intuición.  

Su pintura de corte surrealista nos invita a adentrarnos en un mundo donde la suavidad y la armonía reinan.

@dlargo_

MAKER

Es graduado en Bellas Artes por la Universidad Juan Carlos I de Madrid, actualmente trabaja en su nueva producción artística influenciada por el graffiti y los dibujos animados, creando y diseñando una serie de personajes basándose en la cultura urbana. 

Además trabaja como profesor de arte en la escuela “Artstudio” y forma parte del equipo de asistentes en el  estudio del artista urbano Okuda San Miguel.

@maker_evilteam

GONE

Gonegn nació en Madrid en el año 1992, más conocido como “Gone” en la calle, donde gracias al graffiti comenzó pintando hace 14 años en fábricas abandonadas con murales y en las vías del tren. Estudió diseño industrial sin dejar de lado su rama más artística y creativa adquirida durante su aprendizaje en el “Graffiti” y los estilos desarrollados del Wild style y throw up.

Para entender el estilo de este artista o graffitero es necesario retroceder a finales de los años 60 centrado en el Pop Art. Actualmente lo incorpora pero de una manera más destructiva y anárquica añadiendo geometría y formas rectas influencia del diseño minimalista de los 90. Posteriormente comienza a producir obras más gráficas donde une varias técnicas, materiales o distintos movimientos del arte como el óptico, cubismo, hiperrealismo, futurismo, sobrerealismo, minimal o street art. Su obra plantea una reflexión cognitiva que presenta un “conflicto y caos” o “fallo”, también conocido como “glitch”, con nuestros comportamientos humanos.

@gonegn

IMIX

Concebir los espacios urbanos desde otra perspectiva, encontrar lugares antes nunca vistos, recorrer sitios abandonados y explorar la verticalidad de la ciudad es lo que Imix lleva retratando a través de la fotografía. 

Desde hace 5 años sueña con poder documentar los sitios más escondidos y singulares de las urbes y poder desarrollar un plano de todas las infraestructuras que le rodean. Sitios que suelen estar restringidos al público y que quedan olvidados por la monotoneidad de la vida diaria. Con la única herramienta de trabajo que la cámara, la ciudad es su campo de juego.

@imix2x

TATU

Su trayectoria ha sido siempre progresar en lo que ha creído siempre. Durante 28 años ha estado dedicado al graffiti callejero y al entorno de lo urbano. Su trabajo se puede reconocer por el gran impacto visual de sus colores y letras que evocan movimiento. Además de un toque de alegría, ingrediente imprescindible en sus creaciones, como bien indica el propio artista, su trabajo destaca por el buen hacer y perseverancia en sus objetivos. 

Actualmente, se encuentra trabajando en su nueva producción sobre lienzo, motivos y referencias a lo urbano que presentará en su nueva exposición. 

@graff_caps

FONSMOTE

Fons Smote comienza en el Graffiti en 1998, hasta día de hoy mantiene su constancia y experimentación en el campo del arte urbano.
Graffiti, diseño e ilustración son su forma de expresión.
Actualmente está trabajando en una colección de cuadros, experimentando con distintos materiales y acabados: spray, acrílico, collage, impresión digital y piezas magnéticas, todo sobre un soporte de chapa metalizada.

@fonsmote

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JESÚS TEJERO – HYBRID 2019

Festival de espacios alternativos

INAUGURACIÓN: Jueves 19 de septiembre a las 20h.

DURACIÓN de la exposición: Del 13 al 27 de septiembre.

De lunes a viernes de 10 a 19:30h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

SOBRE JESÚS TEJERO

Jesús Tejero del Campo nació en Madrid en 1973. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. También se formó en la Central Saint Martin College of Art and Design.

Tuvo colaboraciones con artistas como Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Guillermo Paneque y Gloria García Lorca. También ha colaborado con proyectos escultóricos con interioristas como Pascua Ortega, Tomas Alía y diversos particulares tanto en Madrid como en Ibiza. Ha expuesto en Madrid, Ciudad Real, Alicante, Shanghai, Beirut, Washington, Buenos Aires y Uruguay. Actualmente prepara explosición para la galería Sara García Uriburu en Buenos Aires y la sala José Saramago de Leganés.

De cómo el cuadro se hace a si mismo

Mis cuadros son un cúmulo de fragmentos aislados que recupero de imágenes en revistas, periódicos, propagandas, catálogos comerciales… Trato de sacar a flote la invisibilidad poética de estos aspectos secundarios, aparentemente irrelevantes en la imagen, pero que esperan silenciosos reivindicar su potencial comunicativo. Una vez que esos fragmentos se apoderan de mi percepción visual y sensorial, comienza el trabajo de coaligar ese puzzle en un desarrollo de composición, mutación, asociación y caos, con el fin sorpresivo de descubrir un nuevo camino. La búsqueda obsesiva de una imagen holística es un pensamiento estéril y contradictorio, pero si uno conserva el suficiente entusiasmo y voluntad en esa proeza sin desfallecer, podrá ver en el tiempo los restos de esa percepción pictórica y reflexionar sobre la imagen intuida, siempre borrosa, escurridiza, perenne en nuestra mente. El artista encarnado en la historia mítica de Sisifo, destinado a malograrse en el mismo momento que comienza a representar lo no visible. Este es el desencadenante del comienzo de la obra, la realidad fragmentada que se apodera de las partes ocultas del pensamiento. Impulsándote al desarrollo continuo de ensayo, de forma, de prueba y error. La obra no es más que las huellas del fracaso de una obsesión.

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PROYECTOR 2019

Festival de vídeo-arte

INAUGURACIÓN: Sábado 21 de septiembre a las 19:30h.

DURACIÓN de la exposición: Del 11 al 21 de septiembre.

De lunes a viernes de 10 a 19:30h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

SOBRE PROYECTOR

Vuelve PROYECTOR/FESTIVAL, el punto de encuentro anual sobre videoarte en Madrid, que alcanza en 2019 su 12ª edición. Tras doce años de trayectoria, PROYECTOR continúa con su cometido de acercar las obras del tejido artístico de videocreadores nacionales e internacionales contemporáneos al gran público, haciendo énfasis en su carácter más experimental y de compromiso. Evento participativo de reflexión y crítica sobre aspectos sociales y políticos a través de la imagen en movimiento.

Para quien aún no conozca el festival, hablamos de una propuesta cultural gratuita diferente a las demás. Ello es debido a que el conjunto de las obras no reside en un único espacio sino que está distribuido en 14 sedes, privadas y públicas, que son referentes culturales de la ciudad de Madrid. Las piezas de videoarte de más de medio centenar de artistas se exhibirán durante doce días en CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Colección INELCOM, Conde Duque, Cruce, El Instante Fundación, Extensión AVAM, Instituto Cervantes, Medialab Prado, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala Equis, Sala El Águila, Secuencia de Inútiles y en Plaza Pública. El acceso a las instalaciones será libre hasta completar aforo, lo cual permitirá a los asistentes trazar rutas por la ciudad para visitar las obras, así como descubrir nuevos y consagrados espacios de arte. 

PROYECTOR tiene como objetivos, un año más, seguir contribuyendo a la visibilización del videoarte, y continuar generando relaciones entre artistas, creadores, centros de arte, comisarios, coleccionistas y profesionales de diversas disciplinas. La iniciativa apuesta por la profesionalización del sector, para ello cuenta con LAPs (Laboratorios Arte PROYECTOR) con actividades formativas y de producción, y mesas redondas temáticas, por medio de las cuales los asistentes podrán conocer el escenario videoartístico nacional e internacional actual, o el proceso creativo y de gestación de diversas piezas de mano de los propios videocreadores y productores, entre otros temas.

ARTISTAS: 

CLAUDIA VALENTE & NIC MOTTA «Geometrías en danza y colisión»
JOHN KELLEY «Guster»
PAULA LAFUENTE @tachar_la
SU YU HSIN Water sleep
MARIA ALCAIDE «My terrorist lover»
MICHELA DE MATTEI «Eestee Lauder – Hypnosis session»

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LA FOTOGRAFÍA EN LAS ARTES ESCÉNICAS.

DE LO PICTÓRICO AL REALISMO

(Manuel Fernández.Pollán. Comisario)

FECHA: Jueves 27 de junio

HORARIO: 20h

DURACIÓN: Del 27 de junio al 12 de julio

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

STICKER-CON

Una exposición de pegatas al rededor  del mundo

INAUGURACIÓN: Viernes 7 de junio a las 20h.

DURACIÓN de la exposición: Del 7 al 22 de junio.

De lunes a viernes de 10 a 20h.

TALLER BLACKBOOK: Sábado 14 de 18 a 22h.

MERCADILLO: Sábado 22 de 18 a 22h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

INSCRIPCIÓN TALLER: hectordemiguelfranco@gmail.com / instagram: @stickerconmadrid

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

INFORMACIÓN Y PROGRAMA

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CATEDRALES

FECHA:  Viernes 10 de Mayo

HORARIO: 20h

DURACIÓN: Del 10 al 31 de Mayo

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

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PINTANDO PIXELES

EXPOSICIÓN

FECHA:  Jueves 21 de marzo

HORARIO: 20h

DURACIÓN: Del 21 de marzo al 12 de abril.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

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1 ARTISTA 1 DÍA

FECHA:  Jueves 21 de febrero

HORARIO: 20h

PRECIO: ENTRADA LIBRE 

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

Día uno, año dos. Esta no es la única interpretación de la sigla D1A2 pero, es cierto, que el jueves 21 de febrero de 2019 va a ser la fecha que marque la andadura de un nuevo año, el segundo, para el programa de micro residencias 1 Artista 1 Día. El jueves 21 de febrero, de 20:00 a 22:00 horas, os invitamos a la Quinta del Sordo (C/ del Rosario, 15, Madrid) para celebrar con nosotros algo más que una fiesta, porque D1A2 es poesía, performance, pintura, música en vivo y más sorpresas.

LOS ARTISTAS

ONDINA  .G  (San  Sebastián  de  La  Gomera,  1982)    

 Ondina  .G  trabaja  con  la  representación  del  cuerpo  femenino  no  como  un  “dado”   natural  o  biológico,  sino  como  un  complejo  simbólico  en  el  que  se  ponen  en  juego   valores  sociales  como  la  definición  de  la  identidad,  la  regulación  de  las  conductas,  la   intersección  entre  lo  público  y  lo  privado  o  la  determinación  de  la  diferencia  sexual.  Su   obra  parte  de  lo  decadente  y  sórdido  hacia  lo  reivindicativo,  representando  el  cuerpo   individual  o  colectivo  femenino  como  el  vehículo  por  el  que  filtrar  aquello  que  nos  rodea   y  nos  influye,  de  forma  que  este  se  convierta  en  un  elemento  activo  de  la  construcción   de  la  identidad.

Web

LÁZARO  TOTEM  (Madrid,  1978)

 Lázaro  Totem  ha  creado  una  mitología  surrealista  gráfica  formada  por  arquetipos   universales  fáciles  de  identificar  en  nuestra  memoria  ancestral  que  sabe  identificar,   interpretar,  comparar  y  adaptar  inmediatamente  con  nuestra  situación  emocional   actual.  Esta  proyección  da  como  resultado  una  nueva  toma  de  conciencia  y  un  nuevo   punto  de  vista.  Su  obra  nos  habla  del  proceso  de  conciencia  por  el  que  el  ser  humano   viaja  a  través  de  su  vida.  Del  Viaje  del  Héroe  del  cual  sólo  se  puede  salir  favorecido  pero   que,  en  muchos  casos  nos  es  muy  difícil  recorrer.

Web

DANIEL  RABAL  DAVIDOV  (Madrid,  1998)

 Daniel  Rabal  Davidov  es  escritor,  poeta  y  músico.  Con  tan  solo  17  años  publica  su   primera  novela:  “Las  Brillantes  Luces  de  la  Ciudad”  y  desde  entonces  da  recitales  de  sus   poemas  y  textos  por  toda  España.  Daniel  es  también  compositor,  cantante  y  guitarrista   del  grupo  “Wild  Rain”,  con  el  que  ha  tocado  en  salas  como  Clamores,  Siroco  y  Hard  Rock   Café,  entre  otras.  En  2017  presenta  su  primer  poemario:  “Cánticos  Revolucionarios”  y  a   finales  de  2018  es  invitado  a  participar  como  uno  de  los  representantes  de  España  en  el   festival  internacional  de  poesía  The  Americas  Poetry  Festival  of  New  York  (TAPFNY)  y   publica  con  Amargord  Ediciones  su  nueva  novela:  “CUERVOS”.

Web

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EXPOSICIÓN DE VIDEOJUEGOS: CULTURA ABIERTA

FECHA:  Del 23 de Enero al 30 (cerrado fin de semana).

INAUGURACIÓN: 23 de Enero a las 19:30

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

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QUINTA GALLERY

ESTHER GARCIA URQUIJO  Y RAQUEL GUTIÉRREZ GONZÁLEZ

INAUGURACIÓN: 15 de noviembre a las 20h.

DURACIÓN de la exposición: Del 15 de noviembre al 7 de diciembre.

De lunes a viernes de 10 a 20h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

INFORMACIÓN DE LAS ARTISTAS

RAQUEL GUTIÉRREZ GONZÁLEZ

Raquel Gutiérrez González (1988) artista y fotógrafa profesional madrileña. En sus obras  busca un sentido riguroso de lo que somos, lo que hicimos y hacemos ante los múltiples problemas que sufre el planeta.

Comenzó su carrera realizando prácticas en varias empresas del sector audiovisual como en La Sexta TV y Digital Plane. Ha trabajado como productora en el teatro Conga Producciones y ha colaborado en varios medios de comunicación como Le Miau Noir y Blipoint, ambos de prensa escrita. Desde entonces su intención es compartir autores, exposiciones y proyectos únicos.

Actualmente trabaja como Web Editor en Blipoint.

ESTHER GARCIA URQUIJO (1985)

Esther García Urquijo (1985) reside y trabaja en Madrid. Estudió realización de audiovisuales y espectáculos antes de comenzar Bellas Artes en La Universidad Complutense de Madrid y fue técnico audiovisual en cine teatro y televisión los años de la carrera.

En 2014 participó en las colectivas “3days” en Factoría de Arte y Desarrollo y “X” en la Galería Liebre. En 2015 participa en las colectivas “Eros cest la vie” comisariada por Miguel Cereceda y en “Nepotismo Ilustrado” Comisaria por el Artista Juan Francisco Casas ambas en la Galería Fernando Pradilla.

También ha sido seleccionada en el Laboratorio Intransit.

Durante 2016 participa en la exposición colectiva False Friends comisariada por el artista David Trullo y es seleccionada en la X Convocatoria Mullier Mullieris de la universidad de Alicante exponiendo en el Museo de la Universidad de Alicante. En Mayo de 2017 realizó una residencia Artística en Tabacalera Madrid con Promoción del Arte. En Septiembre ha sido premiada en la V edición de Galerías un Concurso del Centro de Creación contemporánea La Cárcel de Segovia.

En noviembre participó en la exposición “Rewind & Remaster” comisariada por Carmen González Castro, Nino Maza y Javier Díaz Guardiola en la galería 6mas1. También ha recibido las Ayudas a la Creación Artística de la Comunidad de Madrid 2017 por su proyecto “Japanesse Bondage businessmen”. En 2018 ha sido seleccionada en las residencias Oficina do convento en Montemor-o-novo (Portugal) que se desarrollarán durante Abril, Mayo y Junio.

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EXPOSICIÓN DE FOTÓGRAFOS

INAUGURACIÓN: 25 de octubre a las 18h.

DURACIÓN de la exposición: Del 25 de octubre al 8 de noviembre.

De lunes a viernes de 10 a 20h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

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HYBRID FESTIVAL 2018

Festival de espacios de arte alternativos

Hybrid Festival es la celebración anual conjunta de los espacios de arte alternativos de Madrid. Durante 10 días, el festival propone un recorrido de exposiciones y actividades con el objetivo de dar visibilidad y acercar público a la escena de arte independiente de la ciudad.

En 2017 Hybrid contó con la participación de 37 espacios culturales y una programación continuada de 10 días.

En su tercera edición, el festival volverá a celebrarse durante el comienzo de la temporada de exposiciones después del verano, del 14 al 23 de septiembre de 2018.

FECHA:  14 – 23 septiembre

INAUGURACIÓN: VIERNES 14 de septiembre a las 19h.

CLAUSURA: Domingo 23 de septiembre a las 12:30h.

ARTISTAS: Mummons, Más que piñatas, Kunaru, Blanca Helga.

HORARIO: De 10h a 20h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

WORKSHOP ORIGAMI: Sábado 22 de septiembre(más información abajo)

MÁS INFORMACIÓN:  hybridfestival.es

PROYECTO DE LA QUINTA DEL SORDO

Hybrid 2018

Gravedad cero: al otro lado del espejo Quinta del sordo,

Gravedad cero: al otro lado del espejo es un proyecto site-specific diseñado en colaboración entre 4 creadores del espacio de coworking creativo Quinta del sordo (Más que piñatas, Kunaru, Blanca Helga, Mummons) y comisariado por Javier Guerra.

Gravedad cero: al otro lado del espejo propone para Hybrid 2018 una intervención específica entre cuatro creadores de la Quinta del sordo a los cuales les une su trabajo con el papel y la construcción con cartón.

Es a través de estos materiales que parecen tan simples y tan frágiles donde estos creadores consiguen sacar el máximo partido a sus creaciones. Esta manera de trabajar con la fragilidad y la sutileza de estos materiales es lo que caracteriza y da sentido a Gravedad cero: al otro lado del espejo. Esta manera de aproximarse a lo formal desde la estética y el trabajo realizado con la paciencia y el saber de un artesano es el condimento fundamental que convierte este proyecto en un acercamiento pausado pero de los que resuenan una y otra vez después de visitarlos.

Este proyecto expositivo tiene como punto de partida el mito de “Al otro lado del espejo” de Alicia en el país de las Maravillas de Lewis Carroll. Gravedad cero: al otro lado del espejo ofrecer un acercamiento a este mito desde 4 conversaciones contrapuestas sobre lo que sucede en el lugar en que se unen los dos mundos del espejo. Es en el propio lugar de paso del propio espejo, justo cuando se deja un mundo para pasar al otro donde se centra este proyecto.

Es ese lugar de tránsito, de cambio, de transformación, ese momento en que las propias leyes físicas cambian porque el propio mundo cambia y nos cambia a nosotros mismos.

Estos 4 creadores trabajarán de manera colectiva para crear estas 4 conversaciones contrapuestas a través de sus propios mundos plásticos, estableciendo una conversación onírica entre cada participante e invitando al propio espectador a participar de la misma.

Cada artista creará en colaboración una parte de esta instalación de papel de seres y objetos que al pasar al otro lado del espejo se transforman.

Este maridaje entre un creador y otro quiere reforzar la idea de la mezcla, el cambio y la evolución que se da en las etapas de cambio, en estos ritos de paso de la ciudad y cultura contemporánea.

Gravedad cero: al otro lado del espejo, propone una analogía entre este mundo onírico de papel de estos 4 creadores con el cambio y evolución que nos ocurre al sinergiarnos, mezclarnos y colaborar como ocurre en estos espacios de encuentro y de trabajo compartido como son los espacios de coworking como la Quinta del sordo.

ARTISTAS

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Inauguración: viernes 14 de febrero 2018 19:00h Lugar Quinta del sordo C/ Rosario 15 La Latina

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