Exposición

ciudad calle barrio

Del 7 de noviembre al 7 de diciembre de 2023

Desde la urgencia de reflexionar sobre el futuro de nuestros entornos cotidianos, nace la exposición Ciudad Barrio Calle, un recorrido por seis proyectos de arquitectura (PFC) que soñaron espacios de encuentro y que hoy les damos la oportunidad de volver a ser vistos para que nos ayuden a reflexionar sobre cómo nos relacionamos y cómo de porosas son las ciudades cuando un proyecto de arquitectura propone algún cambio. 

Esta exposición pretende sacar a la luz proyectos e ideas soñadas en escuelas de arquitectura, que un día se planearon como nuevas formas de habitar los barrios y las ciudades. Queremos que nos ayuden a cuestionarnos cómo son los espacios en los que vivimos actualmente y qué pasaría si un día estos proyectos se hicieran realidad. Desde un imaginario que no siempre tiene que ser el deseable pero que evidencia las grietas, fisuras y lo poco habitable en que se está transformando nuestro entorno. 

Comisaria Mia de Diego

Coordina Jara Blanco

Organiza Quinta del Sordo

Participan Miguel del Valle, Pachenco, María Martínez, María Abril y Jose Antonio Grás

FECHAS Del martes 7 de noviembre al 7 de diciembre inclusive

INAUGURACIÓN el día 7 de noviembre a las 19h con presencia de las 6 personas participantes

HORARIO DE VISITA  de 10.00 a 19.30 de Lunes a Viernes

MIÉRCOLES 9 de noviembre – cerrado por festivo

ACTIVIDADES PARALELAS

23 DE NOVIEMBRE A LAS 19.30H A 21.30H – Visionado película+ debate (En construcción y Reclaim the Streets)

30 DE NOVIEMBRE A LAS 20:00H A 21.30H – Conferencia con el Sindicato de Inquilinas.

2 DE DICIEMBRE, SÁBADO DE 11H A 13H- Recorrido urbano con colectivo La Liminal  – Información y reservas en info@laliminal.es

En construcción y Reclaim the Streets Dos películas que reflexionan sobre nuestras calles-barrios- ciudades. En Construcción “la mutación del paisaje urbano implicaba también una mutación en el paisaje humano, y que en este movimiento se podrían reconocer ciertos ecos del mundo. Sobre estos cimientos construimos una película» Reclaim the Streets es grupo de personas con un ideal compartido de propiedad comunal de espacio públicos. El concepto básico de la fiesta Reclaim the Streets se puede aplicar en cualquier parte, en su esencia es bien sencillo: se trata de la apropiación temporal del espacio público utilizando los cuerpos, la creatividad y la música.

El Sindicato de Inquilinas e Inquilinos de Madrid surgió en 2017 con el objetivo de generar apoyo mutuo en nuestros bloques, barrios y comunidades hasta asegurar que las casas son para las que las habitamos, no para el beneficio de especuladores y rentistas. Busca organizarnos para potenciar conflictos que le disputen el poder a la patronal inmobiliaria. A través del asesoramiento colectivo, la acción directa, la presión institucional, las huelgas de alquileres y la afiliación, el Sindicato de Inquilinas de Madrid es capaz de responder ante el abuso de caseros e inmobiliarias y construir fuerza hasta que todas las que no tenemos propiedades tengamos un lugar digno, seguro y estable al que llamar hogar.

¿Madrid is different? El gran invento del turismo y otras fábulas. Sin duda, el turismo es uno de los fenómenos más importantes de nuestro tiempo. Es mucho más que una industria, ya que no sólo mueve personas sino que también genera todo tipo imágenes e historias capaces de convertir cualquier lugar en un mundo de fábula dirigido a la mirada del turista. Os proponemos un recorrido por las calles del Madrid más castizo, típico y auténtico, el Madrid de postal, para acercarnos a la historia del turismo de nuestro país y analizar cómo influye este fenómenos en nuestras ciudades, identidades, o vivencias cotidianas

Risco lucha propone estrategias para combatir un turismo masificado y globalizado que destruye los barrios que habitamos. Ubicado en el Risco de San Nicolás el proyecto de Miguel del Valle parte de un movimiento vecinal que persigue la mejora de su entorno.

Pachenco transforma el espacio público en un espacio lúdico festivo donde poder relacionarnos, evadirnos y disfrutar. Fatigas del querer convierte la plaza del Dos de Mayo de Madrid en una fiesta que impulsa al goce en la calle. 

Netopia conecta el mundo físico con el virtual a través de sistemas de impresión 3D. Paula Curras propone participar en la construcción de la ciudad donde la red se materializa en el barrio.

Silk-Skin City redefine el papel social de la mujer en India a través de intervenciones sobre la ciudad. María Martínez crea una cooperativa de mujeres dedicada a la transformación de gusanos de seda.

Mili, Micro, Nano modifica el barrio a través de políticas urbanas que intervienen a diferentes escalas, María Abril lleva a cabo una exhaustiva investigación  el barrio del Besós y el Maresme  revitalizando  el entorno, a través de diálogos.

Jose Antonio Grás regenera a través de una serie de acciones la ciudad de Alicante. Políticas Regenerativas propone la implementación de infraestructuras y dispositivos low-cost que invitan a que el ciudadano se apropie del entorno.

BARRIO(S)

Esta exposición forma parte del proyecto Barrio(s), en la que buscamos indagar en la idea de barrio desde lo artístico. Nace del interés de explorar la idea de barrio como constructor de la cultura a través de diferentes realidades e imaginarios que nos ayuden a entender mejor dónde vivimos y cómo nos relacionamos con nuestros entornos. Son exposiciones comisariadas por un agente invitado/a y acompañadas de acciones públicas y de mediación en comunidad. En octubre de 2022 invitamos a Javier Vaquero con la première de la exposición itinerante Un barrio saliendo del barro, de Santi Vaquero y en febrero de 2023 colaboramos con el artista urbano Pyramid y la Alegre Cofradía del Entierro de la Sardina para diseñar Sardina.De Goya al arte Urbano.250 años del entierro de la sardina en Madrid.

Exposición Yo soy. Memoria de las rapadas

Art al Quadrat – Gema y Mónica del Rey Jordá

Del 20 de septiembre al 20 de octubre de 2023

«La vida está hecha de añicos de espejo, pero en cada añico se puede uno mirar. (…) Cada palabra que oigo y cada libro que me pongo a leer estalla en mil añicos donde se despejan nuevos fragmentos de vida: historias despedazadas; (…) Escucharle no solo va a servir para recomponer su rompecabezas, sino también para encontrar algunas piezas del mío». Carmen Martín Gaite, Nubosidad variable, 1992.

En « Yo soy. Memoria de las rapadas», las artistas gemelas Mónica y Gema Del Rey Jordà (Valencia,1982), componentes de Art al Quadrat aúnan las distintas líneas de trabajo que las caracterizan: la reflexión sobre la intimidad en la que la idea de doble está muy presente, el análisis de las imágenes como portadoras de ideología; y la búsqueda de la justicia social.  

El proyecto resultante ha sido precedido por una profunda investigación de las fuentes bibliográficas y por una emotiva recopilación de testimonios, por parte de Mónica y Gema. El momento álgido en el que teoría y práctica se fundieron fue la realización de la acción que las artistas desarrollaron en Sagunto el 5 de noviembre de 2017, convocando a la población a un ritual colectivo. Las hermanas se raparon el pelo una a la otra, y realizaron el paseíllo al que se sometía a las rapadas, adoptando una posición casi de médiums, encarnando en sus cuerpos la memoria y la dignidad de aquellas mujeres. Además, solicitaron a la población, donar mechones de pelo, que simbólicamente recomponían la melena colectiva destruida y proponían una restitución curativa. Con todas estas donaciones se ha concebido una de las piezas más impactantes de la muestra: la kilométrica columna de pelo que cuelga desde la balconada del piso alto del museo y recibe al visitante en la entrada. Este símbolo de unión, de exorcismo de aquellos rituales de violencia colectiva, tiene su espejo en la joya de la muestra: la trenza original de una de estas mujeres valerosas: Mariana Torres Esquer. La reliquia fue guardada primero por su hijo y después por su nieto y ha sido amablemente cedida para la ocasión (extracto del texto de Susana Blas).

FECHAS Del miércoles 20 de septiembre al  viernes 20 de octubre de 2023

INAUGURACIÓN EL DÍA 20 A LAS 19H – VISITA ACOMPAÑADA por las artistas

HORARIO DE VISITA  de 10.00 a 19.30 de Lunes a Viernes

MIÉRCOLES 12 OCTUBRE – CERRADO

ACTIVIDADES PARALELAS

Presentación de la película SACAR A LA LUZ. La memoria de las rapadas. Con presencia de las autoras

Acceso libre hasta completar aforo

Hasta el 20 de octubre inclusive : visitas acompañadas por Gregorio Arencibia, gestor cultural

Para grupos de máximo 12 personas. Gratuita con reserva previa

Lugar – Quinta del Sordo 15

EL COLECTIVO

En 2002 nace Art al Quadrat formado por Gema y Mónica del Rey Jordá (Valencia, 1982). Son licenciadas en BBAA en 2005 y tituladas en el Máster en Producción Artística en 2008 por la UPV. Desde 2013 Mònica es doctora en BBAA. Han disfrutado de becas de creación como las Becas Hàbitat (2013 y 2014) o la Cátedra Arte y Enfermedad de la UPV. Han realizado residencias en Barcelona, Viena, Londres, Kassel y Santiago de Compostela. Recientemente han sido galardonadas en la Biennal de Arte de Mislata 2016, XII Conv. de Instalaciones de Mujer (CCHSN, Madrid) 2017, 2º Premio Arts Plàstiques Ciutat de Felanitx 2018, 2º Premio en Encuentros de Arte Contemporáneo EAC. Instituto Alicantino de Cultura, 2021, Premio MAV. Proyecto Mujeres rapadas, 2022. Su trabajo gira en torno a la memoria de las mujeres durante la Guerra Civil Española y posguerra. Exponen YO SOY en el MUVIM de Valencia en 2018; De coros, danzas y desmemoria en el CCCC en 2020 y preparan la performance Transmutación en el Museo Thyssen-Bornemisza en octubre de 2023.  www.artalquadrat.net

Instagram: @artalquadrat // Facebook: artalquadrat // Twitter: @artalquadrat // Linkedin: Art al Quadrat Gema i Mònica del Rey Jordà

QUINTA DEL SORDO: CONVOCATORIA ABIERTA 

Esta exposición forma parte de una Convocatoria abierta de exposiciones, en la que la Quinta del Sordo ofrece sus instalaciones a que proyectos/artistas/colectivos expongan en los espacios del Centro Creativo. Buscamos abrir el espacio a nuevas propuestas y realidades que caracterizan a la sociedad y que deben estar representadas. Queremos ser un lugar transmisor de conocimientos, prácticas y disciplinas diversas.

Puedes enviar tu propuesta en cualquier momento, y valoraremos todas las propuestas expositivas de cualquier índole. Esta convocatoria forma parte del compromiso de la Quinta del Sordo de facilitar espacios abiertos a la cultura,  dando cabida a formatos más libres o experimentales.

PROYECTOR 2021

Festival de vídeoarte

PRESENTACIÓN EN LA QUINTA: Domingo 19 de septiembre a las 19:30h.

DURACIÓN de la exposición: Del 8 al 19 de septiembre.

HORARIO QUINTA DEL SORDO: De lunes a viernes de 10 a 19:30h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

SOBRE PROYECTOR

REPEAT AFTER ME

Artistas: Osvaldo Cibils (uru), Román Corbato (esp), Jesús Hdez-Güero (cub) y Gabriele Stellbaum (ale).

En un mundo ya perturbado, interrumpido y agitado por un virus, surge una práctica artística desde un campo físico limitado procesando nuevas sensaciones y disyuntivas, donde estos mismos elementos se vuelven gesto, estética y discurso, haciendo hincapié en materia de lo rudimentario, el tedio, la repetición, el caos, la saturación y la escasez.

El arte de las perillas es una compilación de ejercicios varios de experimentación sonora que Osvaldo Cibils (Uruguay) realiza durante el año 2020, donde el cuerpo del artista se activa como una extensión del estruendo sonoro. Lo que vemos es un destello saturado de registros, en el cual los artefactos domésticos y cacharros electrónicos se entrelazan con el propio artista sobre el espacio limitado de su habitación. El hastío, lo absurdo, lo ordinario se vuelven lenguaje, y en ese lenguaje encontramos una cacofonía que refleja los devenires del encontrarse aislado del mundo físico.

Estar en un espacio o tiempo limitado se traduce también en la necesidad de retornar a esa naturaleza curiosa que nos compete. En Intentos, Román Corbato (España) toma troncos de árboles para edificarlos en el espacio natural al que pertenecen, y es el ejercicio ensayo-error con sus procesos, realizaciones y rutinas, el juego en el que nos vemos atrapados; un tótem, un árbol o algo que nunca llega a ser más que la experiencia del individuo con ese espacio y con ese propósito de representación. Se trata ciertamente de un esfuerzo que evoca una visión dinámica o proactiva del mito de Sísifo, donde evidenciamos que la ¨acción se convierte en saber¨, volviendo a ese gesto fundamental de la creación artística.

Con Estado de alarma, Jesús Hdez-Güero (Cuba) nos traslada a otro gesto de intento que él superpone en una muestra de dicción oficial. Nos enfrenta al esfuerzo en vano del Presidente de España, Pedro Sánchez, quien se ve atrapado en la propia gesticulación de un discurso de alarma nacional a la vista de la COVID-19. El artista corta el audio dejando la pose política como único lenguaje haciendo patente el vacío que subyace en el acto. A modo de pie de página y sin intenciones concretas del artista, a los oídos de quienes experimentan la obra, el sonido del jadeo impotente no deja de generar una relación ansiosa con la falta de aire sintomática del virus. Pero ¿qué es el virus en este escenario?

El enfrentamiento entre las repercusiones de la pandemia y el ámbito político también son puestos sobre la mesa en la obra Yesterday; Today; Tomorrow de Gabriele Stellbaum (Alemania). De hecho la mesa es una de las protagonistas en la pieza a manera de metáfora del caos, dando vueltas sin parar mientras sirve de apoyo a una radio que emite noticias sobre las disrupciones sociales y el tenso clima político que se ha tejido en este último año mientras permanecíamos aislados. En el espacio confinado, la quietud y la vorágine colisionan, sumergidos en una atmósfera gris que nos retrotrae a momentos de guerra del siglo pasado.

Texto: Ariadna Arce

GABRIELE STELLBAUM

No Mo Generation (Generación No-Madres)

OSVALDO CIBILS

Osvaldo Cibils en el arte de las perillas (the art of knobs) compilación aleatoria marzo/julio 2020

JESÚS HDEZ-GÜERO

Estado de Alarma

ROMAN CORBATO

Intentos

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VICTORIA PERAGÓN – ORGANIC

Exposición individual en Quinta del Sordo

INAUGURACIÓN: Jueves 25 de marzo a las 18h

DURACIÓN de la exposición: Del 25 de marzo al 16 de abril.

IMPRESCINDIBLE INSCRIPCIÓN EN EL FORMULARIO: https://forms.gle/PeQhidHprZeHZT127

LUGAR: Quinta del Sordo

SOBRE VICTORIA PERAGÓN

Artista formada en pintura, dibujo y grabado, ha colaborado con diversas revistas ilustrando artículos de cultura y actualidad. Dentro de ese ámbito realizó las ilustraciones de varios cuentos infantiles para la Editorial Montena-Mondadori.
Es cofundadora de Isla de Yula, grupo con el que realiza una serie de trabajos utilizando la técnica del batik, no solo como técnica de estampación textil sino como procedimiento plástico, que desemboca en un conjunto de exposiciones en diferentes espacios y galerías.
A partir de ese momento empieza su andadura por el mundo del diseño, aplicando la estampación textil al objeto y creando piezas integrales de mobiliario al tiempo que colabora con otros artistas haciendo trabajos de arquitectura efímera, escenografía y decoración aplicando todo esa experiencia en la investigación sobre nuevos procedimientos, técnicas y usos dentro de la creación plástica.
Su universo pictórico consiste en una fusión de toda esta experiencia creativa en la que mezcla todas las técnicas y herramientas con las que trabaja habitualmente, creando una obra fundamentalmente figurativa, en la que la síntesis entre ironía y melancolía se convierten en distintivo de su trabajo.

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JESÚS TEJERO – HYBRID 2021

Festival de Arte Contemporáneo HYBRID EMERGENCIA

INAUGURACIÓN ONLINE: Semana del 24 de marzo de 2021.

DURACIÓN de la exposición ONLINE: Del 10 al 30 de marzo.

LUGAR: hybridart.es/festival

SOBRE JESÚS TEJERO

Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. También se formó en la Central Saint Martin College of Art and Design (Londres).
Tuvo colaboraciones con artistas como Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Guillermo Paneque y Gloria García Lorca. Ha colaborado en proyectos escultóricos con interioristas como Pascua Ortega, Tomás Alía.
La obra de Jesús Tejero del Campo, es un cúmulo de fragmentos aislados que recupera de revistas, periódicos, catálogos comerciales… trata de sacar a flote la invisibilidad de los aspectos secundarios de la imagen a la que pertenecieron. Trabajando en coaligar los elementos encontrados en un desarrollo compositivo y asociativo; un dialogo que determinará el resultado del cuadro.
La búsqueda de una imagen holística es un pensamiento estéril, pero determinante en el desarrollo de la obra, ya que actúa como motor de las partes ocultas del pensamiento, dando origen al recorrido del proyecto en diversas disciplinas pictóricas.
Ha expuesto en ciudades como Madrid, Valdepeñas, Alicante, Shanghái, Beirut, Washington, Buenos Aires y Montevideo. Actualmente vive y trabaja entre Madrid e Ibiza.

FUTURO

Las obras de Jesús Tejero, deambulan a través de la figura y el fondo, jugando a través del fragmento, que mira al futuro como una parte de un todo.
Unos collages en acrílico sobre papel que, desde el confinamiento, muestra la tensión y la incertidumbre a través de composiciones y colores, en construcciones vacías, siluetas o personajes sin identidad.
Una reflexión que dibuja un futuro pendiente de decisiones externas, donde la emergencia de la creación, resulta imprescindible, para generar un movimiento catalizador de las emociones, como vía de escape a la creatividad.
Por eso a lo largo de estos collages se muestran siluetas y espacios, en tiempos de postverdad, desde una realidad distópica, mirando al futuro desde una perspectiva reflexiva, crítica y sobre todo constructiva.

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MUD & THATCH

ANDRÉS BURITICÁ

INAUGURACIÓN: 23/01/2020 – 20:00 h

ARTISTA: ANDRÉS BURITICÁ  @maese.nemo

DURACIÓN de la exposición: Del 23 de enero al 7 de febrero.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO

Andrés Buriticá presenta, por primera vez, su trabajo fotográfico MUD & THATCH en la Quinta del Sordo. El proyecto surge de una manera natural, a través de un viaje por Colombia y en concreto durante su estancia en su ciudad natal y El Caribe rural. Su intención y propósito del viaje fue, en un principio, retratar el lugar y sus gentes, además de hacer una comparativa del entorno con respecto a su estado actual y el recuerdo de Andrés desde la última vez que estuvo allí hace 10 años.

Me contaba mi abuela que abrieron un McDonald’s en Montería, mi pequeña ciudad, y que la cola para entrar era de cientos de personas. Entonces desvié mi viaje hacia uno de los pueblos de mis tíos en busca del Caribe que recuerdo: casas de adobe y paja de palmera, la gente vive de lo que da la tierra, los velorios duran siete días, la felicidad se encuentra “escudriñando los caminos de antaño, y caminando por ellos” me dice mi tío refiriéndose a la Biblia, cuando llueve se va la luz durante días, nos bañamos con agua de lluvia acumulada en pozos, el calor húmedo inunda los pulmones, los animales campan a sus anchas y los mosquitos pican a través de las hamacas.

En esta exposición se podrán ver 30 fotografías tomadas con una cámara de 35mm donde queda latente el sentimiento de nostalgía, sensibilidad y emoción por parte del autor con respecto a su hogar y familia.

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OTRAS IDENTIDADES: LO UNIVERSAL ES FEMENINO

NEKANE Y MARTA RONDÓN

INAUGURACIÓN: 13 de febrero a las 20h

DURACIÓN:  del 13 al 28 de febrero

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15/17, (Parque de la Cornisa) La Latina

OTRAS IDENTIDADES

TEXTO CURATORIAL

Tradicionalmente se han considerado como temas universales en la Historia del Arte todo lo que salía de los pinceles de los grandes genios de la pintura, incluido cuando lo que se representaba eran retratos de figuras femeninas. Ellas eran solamente las musas al servicio del genio del artista.
Las tornas cambiaban cuando la creadora era una mujer y realizaba obras donde las figuras centrales eran también mujeres, considerándose que retrataban tan solo el universo femenino, como una especie de tema menor que formaba parte de lo doméstico, de las menudencias que preocupaban a la mujer.
Que ellas fuesen más de la mitad de la población parecía no ser suficiente, ni ahora ni antes, para considerar que sus trabajos englobaban también lo universal. Ese hecho, el de que no estemos presentes en la conciencia histórica de nadie, ni siquiera de nosotras mismas, hace que dudemos de nuestras capacidades.
Esta exposición quiere alejarse de todos esos clichés y liberar sin miedo la creatividad de las creadoras Marta Rondón y Nekane Jiménez, que retratan su propio universo en las obras presentadas, reivindicándolo sin querer como lo universal.
Ese mundo propio que representan en sus trabajos que engloba lo que ocurre dentro de las fronteras de su intimidad, de su ropa interior, de su piel, de las identidades y orientaciones sexuales y de la normatividad de sus cuerpos, es un alegato a esa universalidad. Todo ello entronca con la famosa afirmación “lo personal es político”, donde la libertad de expresión, sexual, de culto o el derecho a la intimidad son derechos fundamentales que deben conquistarse.
Tanto Marta Rondón en su ruptura con las formas heteronormativas, como Nekane con su representación del sentir y la existencia femenina, muestran consciencia de la opresión que se ejerce en y a través de sus relaciones más íntimas, empezando por la más íntima de todas: la relación con el propio cuerpo.
Adentrarse en sus trabajos es un despertar crítico a la reflexión sobre si sus deseos, fantasías, temores e ideales estéticos sobre el propio cuerpo les pertenecen o son el producto de un sistema de relaciones entre los sexos que nos oprimen.
Al fin y al cabo, el producto de esta exposición es una pregunta que resuena desde dentro de cada una de las obras de ambas artistas de cómo puede conquistarse la verdadera libertad.

Marta Rondón utiliza en su obra el cuerpo como arma de lucha (el pincel por el pezón), donde las figuras intransitadas y molestas flotan en escenarios a veces oníricos, a veces costumbristas y en donde el aire casi puede verse y olerse. El espectador puede inhalar así su transgresión y el inconformismo con todo lo establecido.
El deseo rotundo de romper, repensar y cambiar la visión del género y rehacer el concepto de feminidad, le llevan a ahondar en la visibilidad de los colectivos queer, trans y LGTBI
Ese espacio no habitado del trabajo de Marta Rondón coincide con los huecos vacíos que dejan los recortes de papel en la obra de Nekane. Nekane deshace cuando corta y rehace cuando pega, como la quimera de la que tanto habla Marta Rondon en su obra: “El hacer de lo inclusivo y deshacer de los exclusivo”, que suele decir.
La obra de Nekane se muestra como contrapunto con un trazo más clásico, centrada en la creación de dibujos de papel con carácter ambiguo donde el género del personaje de la pieza es ya el tema central, dejando paso a el color, las líneas y la composición y la búsqueda de relaciones estéticas. Nos habla sobre todo del concepto de belleza que se sale de los sistemas establecidos desde el patriarcado y que expresa la identidad propia de la mujer.
La muestra no es un simple diálogo entre ambas artistas, sino que es el resultado de la búsqueda de la individualidad de cada una, con la importancia que supone el aire y la distancia que existe entre cada una, porque todas las formas de sentir son importantes y necesitan de su propia individualidad y ahí es donde reside la verdadera libertad creadora.

Angélica Millán

SOBRE LAS ARTISTAS

NEKANE

Nekane Jiménez Fernández nace en 1992 en Ablitas, Navarra. Estudia Bachillerato Artístico en la Escuela de Arte y Oficios de Corella y, al finalizar, va a vivir a Salamanca, donde en 2014 se gradúa en Bellas Artes, destacando y orientando su trabajo en la rama de pintura. Allí su obra es seleccionada en la convocatoria Premio San Marcos 2014, entre otros logros. Tras su etapa universitaria vive un año en Alemania, donde nace y se desarrolla su proyecto “La Libreta de Neka”, un cuaderno de apuntes y dibujos diarios que publica durante un año a través de redes sociales. Con este proyecto y otras creaciones participa en Open Mercado 2015, una iniciativa del Museo Würth La Rioja que apuesta por el encuentro de nuevas propuestas y la promoción de artistas, diseñadores, emprendedores etc. De nuevo cambia de ciudad en 2016, eligiendo esta vez como destino Barcelona. Allí realiza un Posgrado de Ilustración aplicada al Diseño.

Complementa su formación académica y artística realizando cursos online impartidos por galerías dentro del territorio nacional y mediante la participación en iniciativas como MID_Emprendedores (Programa de Itinerarios para el Emprendimiento Juvenil de la fundación INCYDE) en Barcelona. Durante el transcurso de este periodo es seleccionada con su libro de artista en la convocatoria Afán-Afán 2016 y también junto con Ana Manuela Bañares en Mujeres que miran a mujeres 2018. Durante este último
año a participado en varios eventos y mercados de arte como Utopía 2018, Gutter Fest 2019 y We Draw en Barcelona.
En OTRAS IDENTIDADES podremos ver una serie de dibujos de papel recotados y pegados a mano especialmente creados para la exposición.
La temática estará centrada en la creación de dibujos de papel con carácter ambiguo donde el genero del personaje de la pieza no sea tema central sino dejar paso a otras características como el color, las líneas y la composición, buscando relaciones estéticas y jugar como en toda mi obra con las posibilidades que me ofrece trabajar solamente con papel.

@nek.ane

MARTA RONDÓN

Marta Rondón, conocida artísticamente como AMARELMAR, tarifeña salerosa y  andaluza por derecho, cuenta que no recuerda un momento en su infancia donde no tuviera un pincel en la mano.
Estudió Bachillerato Artístico y posteriormente Bellas Artes en la URJC; afincada por ahora en Madrid pero pajarillo volador, se decantó gracias a su proyecto final de la carrera a utilizar el cuerpo como arma de lucha, el pincel por el pezón, las figuras intransitadas, molestas, la cultura queer y todas sus vertientes.
El deseo rotundo de romper, repensar y cambiar la visión del género, el hacer de lo inclusivo y deshacer de lo exclusivo, eliminar el rol del hombre macho y a su vez empoderar a la mujer son algunas de los vestigios que se pueden apreciar en sus obras.
Ahora mismo trabaja en generar de sus ilustraciones una realidad que se pueda tocar, mover con un curso de ilustración en 3D.
En su última exposición trabajó en el concepto de “dude art”, es decir, trabajaba el dibujo mediante esbozos inconscientes, destruyendo y construyendo formas abstractas en formas definidas.

@amarelmarr

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8760 HORAS y 1060 GRAMOS

IRENE GARCIA – NAGARE ART PROJECTS

INAUGURACIÓN: 21/11/2019 – 20:00 h

ARTISTA: IRENE GARCIA  @gamusire

DURACIÓN del evento: Del 21 de noviembre al 6 de diciembre.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

ORGANIZA: Nagare Art Project

BIOGRAFÍA

Irene García es, además de pintora e ilustradora, Directora de Arte en una de las grandes agencias de publicidad en Madrid. Se licenció en Publicidad y RRPP en la URJC y continuó su formación en artes plásticas en diferentes academIas, consiguiendo llegar a su lenguaje actual a camino entre la pintura tradicional sobre lienzo y la pintura digital.

Ha participado en exposiciones y eventos desde 2016: Monkey Garden, Amor de Madre, Mad Cool Gallery… recientemente fue seleccionada para la residencia artística Art House Holland.

STATEMENT

Mi trabajo habla sobre la realidad moderna y el mundo que me rodea: una realidad donde la gente se entremezcla con los edificios, convirtiéndose en uno.

Mi lenguaje se basa en las formas naturales y orgánicas de los retratos, en las múltiples luces y sombras que los habitan y su conjugación con las líneas limpias de las formas  arquitectónicas.

A través de mis obras, analizo las relaciones diarias que se establecen entre las personas y el entorno urbano. Una especie de collage visual donde exploro la vida moderna  es componiendo las formas de los paisajes que me rodean de manera que pueda jugar y luego recomponerlas crear una realidad que se ajusta a mí.

Mi trabajo es un juego en el que interactúo constantemente con la ciudad y las miles de caras que la habitan.

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UNION ARTIST

D. Largo – Maker – Imix – Gone – Tatu – Fonsmote

FECHA:  del 11 al 25 de octubre

INAUGURACIÓN: 11 de octubre a las 20h

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15/17, (Parque de la Cornisa) La Latina

INFORMACIÓN DE LOS ARTISTAS

D. LARGO

D.Largo (1994) artista Urbano y Onírico. Licenciado en Bellas Artes en Madrid donde actualmente reside. Sus orígenes fueron en la calle pintando graffiti y estudiando matemáticas.

Con el tiempo sus intereses en materia artística se ampliaron hasta llegar a utilizar el spray y el dibujo técnico para crear composiciones coloridas en perspectiva, buscando unir la geometría con lo orgánico y lo figurativo con lo abstracto siempre escuchando la voz de la intuición.  

Su pintura de corte surrealista nos invita a adentrarnos en un mundo donde la suavidad y la armonía reinan.

@dlargo_

MAKER

Es graduado en Bellas Artes por la Universidad Juan Carlos I de Madrid, actualmente trabaja en su nueva producción artística influenciada por el graffiti y los dibujos animados, creando y diseñando una serie de personajes basándose en la cultura urbana. 

Además trabaja como profesor de arte en la escuela “Artstudio” y forma parte del equipo de asistentes en el  estudio del artista urbano Okuda San Miguel.

@maker_evilteam

GONE

Gonegn nació en Madrid en el año 1992, más conocido como “Gone” en la calle, donde gracias al graffiti comenzó pintando hace 14 años en fábricas abandonadas con murales y en las vías del tren. Estudió diseño industrial sin dejar de lado su rama más artística y creativa adquirida durante su aprendizaje en el “Graffiti” y los estilos desarrollados del Wild style y throw up.

Para entender el estilo de este artista o graffitero es necesario retroceder a finales de los años 60 centrado en el Pop Art. Actualmente lo incorpora pero de una manera más destructiva y anárquica añadiendo geometría y formas rectas influencia del diseño minimalista de los 90. Posteriormente comienza a producir obras más gráficas donde une varias técnicas, materiales o distintos movimientos del arte como el óptico, cubismo, hiperrealismo, futurismo, sobrerealismo, minimal o street art. Su obra plantea una reflexión cognitiva que presenta un “conflicto y caos” o “fallo”, también conocido como “glitch”, con nuestros comportamientos humanos.

@gonegn

IMIX

Concebir los espacios urbanos desde otra perspectiva, encontrar lugares antes nunca vistos, recorrer sitios abandonados y explorar la verticalidad de la ciudad es lo que Imix lleva retratando a través de la fotografía. 

Desde hace 5 años sueña con poder documentar los sitios más escondidos y singulares de las urbes y poder desarrollar un plano de todas las infraestructuras que le rodean. Sitios que suelen estar restringidos al público y que quedan olvidados por la monotoneidad de la vida diaria. Con la única herramienta de trabajo que la cámara, la ciudad es su campo de juego.

@imix2x

TATU

Su trayectoria ha sido siempre progresar en lo que ha creído siempre. Durante 28 años ha estado dedicado al graffiti callejero y al entorno de lo urbano. Su trabajo se puede reconocer por el gran impacto visual de sus colores y letras que evocan movimiento. Además de un toque de alegría, ingrediente imprescindible en sus creaciones, como bien indica el propio artista, su trabajo destaca por el buen hacer y perseverancia en sus objetivos. 

Actualmente, se encuentra trabajando en su nueva producción sobre lienzo, motivos y referencias a lo urbano que presentará en su nueva exposición. 

@graff_caps

FONSMOTE

Fons Smote comienza en el Graffiti en 1998, hasta día de hoy mantiene su constancia y experimentación en el campo del arte urbano.
Graffiti, diseño e ilustración son su forma de expresión.
Actualmente está trabajando en una colección de cuadros, experimentando con distintos materiales y acabados: spray, acrílico, collage, impresión digital y piezas magnéticas, todo sobre un soporte de chapa metalizada.

@fonsmote

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JESÚS TEJERO – HYBRID 2019

Festival de espacios alternativos

INAUGURACIÓN: Jueves 19 de septiembre a las 20h.

DURACIÓN de la exposición: Del 13 al 27 de septiembre.

De lunes a viernes de 10 a 19:30h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

SOBRE JESÚS TEJERO

Jesús Tejero del Campo nació en Madrid en 1973. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. También se formó en la Central Saint Martin College of Art and Design.

Tuvo colaboraciones con artistas como Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Guillermo Paneque y Gloria García Lorca. También ha colaborado con proyectos escultóricos con interioristas como Pascua Ortega, Tomas Alía y diversos particulares tanto en Madrid como en Ibiza. Ha expuesto en Madrid, Ciudad Real, Alicante, Shanghai, Beirut, Washington, Buenos Aires y Uruguay. Actualmente prepara explosición para la galería Sara García Uriburu en Buenos Aires y la sala José Saramago de Leganés.

De cómo el cuadro se hace a si mismo

Mis cuadros son un cúmulo de fragmentos aislados que recupero de imágenes en revistas, periódicos, propagandas, catálogos comerciales… Trato de sacar a flote la invisibilidad poética de estos aspectos secundarios, aparentemente irrelevantes en la imagen, pero que esperan silenciosos reivindicar su potencial comunicativo. Una vez que esos fragmentos se apoderan de mi percepción visual y sensorial, comienza el trabajo de coaligar ese puzzle en un desarrollo de composición, mutación, asociación y caos, con el fin sorpresivo de descubrir un nuevo camino. La búsqueda obsesiva de una imagen holística es un pensamiento estéril y contradictorio, pero si uno conserva el suficiente entusiasmo y voluntad en esa proeza sin desfallecer, podrá ver en el tiempo los restos de esa percepción pictórica y reflexionar sobre la imagen intuida, siempre borrosa, escurridiza, perenne en nuestra mente. El artista encarnado en la historia mítica de Sisifo, destinado a malograrse en el mismo momento que comienza a representar lo no visible. Este es el desencadenante del comienzo de la obra, la realidad fragmentada que se apodera de las partes ocultas del pensamiento. Impulsándote al desarrollo continuo de ensayo, de forma, de prueba y error. La obra no es más que las huellas del fracaso de una obsesión.

DESCUBRE OTROS DE NUESTROS EVENTOS CULTURALES

PROYECTOR 2019

Festival de vídeo-arte

INAUGURACIÓN: Sábado 21 de septiembre a las 19:30h.

DURACIÓN de la exposición: Del 11 al 21 de septiembre.

De lunes a viernes de 10 a 19:30h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

SOBRE PROYECTOR

Vuelve PROYECTOR/FESTIVAL, el punto de encuentro anual sobre videoarte en Madrid, que alcanza en 2019 su 12ª edición. Tras doce años de trayectoria, PROYECTOR continúa con su cometido de acercar las obras del tejido artístico de videocreadores nacionales e internacionales contemporáneos al gran público, haciendo énfasis en su carácter más experimental y de compromiso. Evento participativo de reflexión y crítica sobre aspectos sociales y políticos a través de la imagen en movimiento.

Para quien aún no conozca el festival, hablamos de una propuesta cultural gratuita diferente a las demás. Ello es debido a que el conjunto de las obras no reside en un único espacio sino que está distribuido en 14 sedes, privadas y públicas, que son referentes culturales de la ciudad de Madrid. Las piezas de videoarte de más de medio centenar de artistas se exhibirán durante doce días en CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Colección INELCOM, Conde Duque, Cruce, El Instante Fundación, Extensión AVAM, Instituto Cervantes, Medialab Prado, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala Equis, Sala El Águila, Secuencia de Inútiles y en Plaza Pública. El acceso a las instalaciones será libre hasta completar aforo, lo cual permitirá a los asistentes trazar rutas por la ciudad para visitar las obras, así como descubrir nuevos y consagrados espacios de arte. 

PROYECTOR tiene como objetivos, un año más, seguir contribuyendo a la visibilización del videoarte, y continuar generando relaciones entre artistas, creadores, centros de arte, comisarios, coleccionistas y profesionales de diversas disciplinas. La iniciativa apuesta por la profesionalización del sector, para ello cuenta con LAPs (Laboratorios Arte PROYECTOR) con actividades formativas y de producción, y mesas redondas temáticas, por medio de las cuales los asistentes podrán conocer el escenario videoartístico nacional e internacional actual, o el proceso creativo y de gestación de diversas piezas de mano de los propios videocreadores y productores, entre otros temas.

ARTISTAS: 

CLAUDIA VALENTE & NIC MOTTA «Geometrías en danza y colisión»
JOHN KELLEY «Guster»
PAULA LAFUENTE @tachar_la
SU YU HSIN Water sleep
MARIA ALCAIDE «My terrorist lover»
MICHELA DE MATTEI «Eestee Lauder – Hypnosis session»

DESCUBRE OTROS DE NUESTROS EVENTOS CULTURALES

LA FOTOGRAFÍA EN LAS ARTES ESCÉNICAS.

DE LO PICTÓRICO AL REALISMO

(Manuel Fernández.Pollán. Comisario)

FECHA: Jueves 27 de junio

HORARIO: 20h

DURACIÓN: Del 27 de junio al 12 de julio

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

STICKER-CON

Una exposición de pegatas al rededor  del mundo

INAUGURACIÓN: Viernes 7 de junio a las 20h.

DURACIÓN de la exposición: Del 7 al 22 de junio.

De lunes a viernes de 10 a 20h.

TALLER BLACKBOOK: Sábado 14 de 18 a 22h.

MERCADILLO: Sábado 22 de 18 a 22h.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

INSCRIPCIÓN TALLER: hectordemiguelfranco@gmail.com / instagram: @stickerconmadrid

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, Madrid

INFORMACIÓN Y PROGRAMA

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CATEDRALES

FECHA:  Viernes 10 de Mayo

HORARIO: 20h

DURACIÓN: Del 10 al 31 de Mayo

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

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PINTANDO PIXELES

EXPOSICIÓN

FECHA:  Jueves 21 de marzo

HORARIO: 20h

DURACIÓN: Del 21 de marzo al 12 de abril.

PRECIO: ENTRADA LIBRE

LUGAR: Quinta del Sordo, Calle Rosario 15, (Parque de la Cornisa) La Latina

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